 Teatros del Canal estrena una nueva versión de "Los cuernos de Don Friolera"
La agenda cultural de la Comunidad de Madrid estará encabezada este fin de semana por el estreno en España de Sol invictus, del coreógrafo Hervé Koubi, y la renovada versión teatral de Los cuernos de Don Friolera, esperpento de Ramón María del Valle-Inclán, bajo la dirección de la dramaturga Ainhoa Amestoy. Ambos montajes estarán en los Teatros del Canal.
La Sala Roja-Concha Velasco abre sus puertas (del 13 al 16) a la danza contemporánea del creador francés de ascendencia argelina, que llega con un espectáculo inspirado en su fascinación por el cosmos y todas las formas de vida, interpretado por más de una quincena de bailarines de diversos estilos (como hip-hop o break-dance) y procedencias (como Amazonas o Siberia).
La Sala Verde continúa, hasta el 23 de marzo, con nuevas funciones de Los cuernos de Don Friolera, uno de los grandes esperpentos de Ramón María del Valle-Inclán, adaptado y dirigido por Ainhoa Amestoy. Roberto Enríquez, como don Friolera, encabeza un reparto que cuenta en su elenco con Nacho Fresneda (su contraparte, Pachequín), Lidia Otón, Ester Bellver, Pablo Rivero Madriñán, Miguel Cubero, José Bustos e Iballa Rodríguez.
Por su parte el FIAS, Festival Internacional de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid, encauza su segunda semana promoviendo el rescate del patrimonio musical español. Destaca el estreno de la propuesta encargada al Ensemble Ars Atlántica, conjunto dedicado a la investigación e interpretación de repertorio de los siglos XII al XVIII, titulada Amor humano, amor divino (Capilla del Palacio Real, el viernes 14).
BallArte Ensemble reivindicará el auto sacramental El gran teatro del mundo, de Calderón de la Barca, en El gran sarao del mundo, del que se ofrecerán dos sesiones (sábado 15, en la iglesia Nuestra Señora de la Asunción de Galapagar; y domingo 16, en la Capilla del Palacio Real de Madrid).
Este proyecto aspira a poner de nuevo en diálogo el texto de Calderón con músicas de compositores de su época, dentro de un marco escénico y expresivo contemporáneo que prioriza lo comunitario, lo lúdico y lo festivo (el sarao), tal y como sucedía en el Siglo de Oro español.
En paralelo, la 29ª edición de Teatralia afronta su segundo fin de semana con Le Mensonge (La mentira) de la artista y coreógrafa francesa Catherine Dreyfus. Se inspira en un cuento para niños de Catherine Grive para este espectáculo sin palabras (jueves 13, en el Institut Français de Madrid).
También podrá disfrutarse de la historia de una chica lobo en La ragazza dei lupi (La chica de los lobos) de la compañía Teatro Gioco Vita, referente mundial del teatro de sombras. (sábado 15, en los Teatros del Canal; y domingo 16, en el Real Coliseo de Carlos III de San Lorenzo de El Escorial).
Por su parte, cOsmO es una coproducción internacional de la compañía mexicana Núbila Teatro y la canadiense Théâtre Motus, que coinciden en su vocación por investigar e integrar diferentes lenguajes en sus obras: texto, títeres, objetos, música y teatro de sombras (viernes 14, en el Teatro Pradillo, y domingo 16, en el Centro Comarcal de Humanidades Sierra Norte de La Cabrera).
Com els pingüins (Como los pingüinos) es un espectáculo de humor y poesía visual basado en hechos reales: la historia de una menor cuya infancia transcurrió entre médicos, hospitales y operaciones (sábado 15, en el Centro Cultural Pérez de la Riva de Las Rozas).
La compañía de circo contemporáneo Gandini Juggling, con sede en Londres, ha decidido cuestionarse a sí misma creando Smashed2, tras el éxito de su obra Smashed. En esencia, el espectáculo vuelve a ser una pieza de malabarismo virtuoso inspirado en el trabajo de la gran coreógrafa Pina Bausch (sábado 15, Teatro Circo Price).
Los daneses Aaben Dans presentan Hvad er det? (¿Qué es esto?), un montaje en el que una bailarina y un bailarín tratarán de captar la atención de los más pequeños (domingo 16, martes 18 y miércoles 19, en los Teatros del Canal).
En el kilómetro 523 es el título del homenaje que hace Ana Torres a la literatura. Acompañada de un universo de voces en off y poniendo en juego varias técnicas teatrales, emprende un viaje en el que cuenta la historia de amor de los padres de una niña, aventurero él y bibliotecaria ella (sábado 15, en el Centro Cultural Pilar Miró, y domingo 16, en el Teatro Municipal Las Catalinas de El Álamo).
Además, otros espectáculos que ya se han presentado en esta edición llegan a nuevos escenarios estos días. Son: El mago de Oz, de La Canica Teatro (viernes 14, en el Centro Cívico Rigoberta Menchú de Leganés; sábado 15, en el Teatro Casa de la Cultura de Collado Villalba; y domingo 16, en el Centro Sociocultural El Soto de Móstoles); A la gloria con Gloria Fuertes, de Teatro de Malta (sábado 15, en el Teatro Dulce Chacón de Parla; y domingo 16, en el Teatro Municipal de Coslada); y Mr. Bo, de Marie de Jongh (domingo 16, en Teatro Tomás y Valiente de Fuenlabrada).
Al margen de las programaciones de estos dos festivales, hay otras interesantes propuestas escénicas. En el Real Coliseo Carlos III de San Lorenzo de El Escorial (sábado 15) podrá disfrutarse del espectáculo 35, la nueva propuesta artística de la banda Spanish Brass, con la que celebrarán su 35º aniversario. Y en Alcalá de Henares, con ocasión del Día de las Matemáticas, llega al Corral de Comedias (viernes 14 y sábado 15) Señora Einstein dirigida por Vanessa Martínez.
En Madrid, el Teatro de La Abadía acoge las representaciones de: Viejos tiempos, de Harold Pinter, dirigida por Beatriz Argüello y protagonizada por Ernesto Alterio, Marta Belenguer y Mélida Molina (Sala José Luis Alonso, hasta el 13 de abril); y El cuarto de atrás (Sala Juan de la Cruz, hasta 16 de marzo), obra con la que La Abadía celebra el centenario del nacimiento de Carmen Martín Gaite, adaptada por María Folguera, dirigida por Rakel Camacho y protagonizada por Emma Suárez.
Las propuestas expositivas de la Comunidad de Madrid, todas gratuitas, continúan en sus diferentes espacios. Así, la Sala Alcalá 31 propone (hasta el 20 de abril 2025) la muestra Secundino Hernández en obras, la primera exposición institucional del pintor madrileño en su ciudad natal, planteada como un itinerario por sus casi 30 años de carrera artística.
Igualmente, en las instalaciones de la Sala Canal de Isabel II permanece Caprile Lorenzo, un viaje por la vida y obra del modista a través de sus vestidos más icónicos, que se han convertido ya en historia de la moda. Puede visitarse hasta el 30 de marzo, con reserva previa.
A su vez, el Ejecutivo regional expone en la Sala de Arte Joven (hasta el 20 de abril) la obra de cinco artistas emergentes que analizan las fuerzas de la naturaleza y los ciclos vitales bajo el título Las iguanas van a morder a los hombres que no sueñan, comisariada por Raquel Algaba.
En Móstoles, el Museo Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid (CA2M) inicia la temporada expositiva 2025 con una muestra dedicada al artista mexicano Jorge Satorre: Ría (hasta el 31 de agosto). Y acompañando esta exhibición se presenta Juego infinito de cuerdas bajo el sol, una propuesta de la ilustradora María Medem con un diseño expositivo que no sólo ocupa las paredes del Centro con algunos de sus dibujos, sino también los huecos de escalera o la biblioteca con trabajos realizados sobre distintos textiles.
Además, a lo largo de este año, la Administración autonómica lleva la fotografía, el arte contemporáneo o las artes gráficas por toda la región, a través de diez propuestas de la Red de Exposiciones Itinerantes (Red Itiner) que viajan por los 77 municipios adheridos. Entre ellas están presentes diversas temáticas, como la historia del cómic, la estampa japonesa, el arte textil, ilustraciones de Dalí o la trayectoria del fotógrafo Jordi Socías.
Por otro lado, cabe recordar que puede visitarse Flamboyant. Joana Vasconcelos en el Palacio de Liria (hasta el 31 de julio), organizada por la Fundación Casa de Alba con el patrocinio del Gobierno regional.
La delegada de Cultura, Turismo y Deporte, Marta Rivera de la Cruz, ha visitado la muestra ‘Madrid, ¡Viva la bohemia! Los bajos fondos de la vida literaria’, que acoge el Museo de Historia de Madrid hasta el 1 de junio. La exposición está compuesta por una amplia selección de piezas —óleos, dibujos, estampas, carteles, fotografías, películas, libros y periódicos— que aportan una imagen global de lo que supuso la bohemia literaria, tomando a Madrid como epicentro.
“Esta exposición es una oportunidad única para adentrarnos en la bohemia madrileña, que llegó a los periódicos, la literatura y los teatros de finales del XIX”, ha destacado Rivera de la Cruz durante la visita. Además, ha añadido que los visitantes podrán “recorrer los cafés que alimentaron las tertulias intelectuales de la época y el Madrid que tan bien describió Valle-Inclán”.
La muestra comienza poniendo atención en el origen y significado del término ‘bohemia’ y, a continuación, da paso a los cinco espacios en los que se divide el recorrido. El primero de ellos, ‘París: las primeras luces’, traslada a los visitantes a la capital francesa, el hábitat por excelencia de este estilo de vida, que encontró su reflejo en la ópera La Bohème y la zarzuela paródica La golfemia.
El segundo espacio, ‘El resplandor español’, nos sitúa en Madrid en torno a 1840, cuando surge en la ciudad la que se considera la primera generación de bohemios ligada a los periódicos, al teatro y al desarrollo del folletín y la novela por entregas. Por su parte, ‘La bohemia heroica’ está dedicado al grupo de escritores del mismo nombre, un conjunto de autores con un alto compromiso social que rechazaban abiertamente los valores burgueses.
El espacio ‘Espacios bohemios’ se adentra en el ambiente preferido de los bohemios: la noche. A la luz de las últimas farolas de gas, los bohemios van llegando a la Puerta del Sol, a ese Madrid nocturno tan cantado y descrito por los bohemios en sus poemas, cuentos y prosas. Cierra el recorrido el espacio ‘La luz en el espejo’, dedicado a Valle-Inclán y su obra Luces de Bohemia, publicada en 1924.
La exposición es de acceso gratuito y se podrá visitar de martes a domingo, de 10:00 a 20:00 horas, en la Sala de Exposiciones Temporales del Museo de Historia de Madrid.
Centro Danza Matadero, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, continúa con su programación dedicada en exclusiva a la danza en todas sus formas —clásica, contemporánea, flamenca y urbana— ofreciendo la posibilidad de adquirir bonos promocionales en su temporada de lanzamiento que supone un ahorro del 40 % sobre el precio de la entrada. Esta promoción estará vigente hasta el próximo 19 de marzo.
Este bono puede obtenerse a través de la web de Centro Danza Matadero para disfrutar de diez espectáculos de la programación diseñada por Centro Danza Matadero, con coreografías tanto nacionales como internacionales exponentes en danza clásica, urbana, flamenca y contemporánea, y también innovadoras en el panorama de las artes escénicas inclusivas.
El hip hop internacional de La Käfig Compagnie de Mourad Merzouki, la danza clásica representada por Lucía Lacarra Ballet, la contemporánea de Jone San Martín, o el flamenco en los pasos de Eva Yerbabuena o Farruquito son algunos de los espectáculos incluidos.
La Käfig Compagnie de Mourad Merzouki, llegada desde Francia, presenta del 26 al 29 de marzo Zéphyr, una obra de hip hop que utiliza las fuerzas naturales, especialmente el viento, para generar una experiencia coreográfica llena de movimiento y transformación.
Se trata de una propuesta innovadora inspirada en la regata ‘Vendée Globe’, conocida como ‘El Everest de los mares’. La función fusiona el hip hop con elementos naturales creando una poética del movimiento que desafía la gravedad y las expectativas del espectador. Con ello, Merzouki redefine los límites de la danza contemporánea, ofreciendo un montaje que promete ser tan emocionante como sensorialmente envolvente.
A lo largo de su trayectoria, Merzouki ha recibido numerosos reconocimientos como el Prix SACD en 2006, la distinción de la Orden de las Artes y las Letras en 2011 y la condecoración de Caballero de la Orden de la Legión de Honor en 2012. Por otra parte, en 2009 fue designado director del Centre Chorégraphique National de Créteil et du Val-de-Marne (Francia).
Bajo la dirección de Jone San Martín, el espectáculo Sorda mostrará un trabajo autobiográfico de investigación sobre la sordera y la danza, del 1 al 3 de mayo. Una exploración bailada, sobre los límites de la comunicación física que construye un lenguaje único y ultra expresivo y que se construye a partir del cúmulo de horas de aislamiento, de confusión, de presencia ausente y asistida.
Nacida en 1966 en San Sebastián, Jone San Martín es una bailarina y coreógrafa formada en el Institut del Teatre de Barcelona y en Mudra International de Bruselas (Bélgica). Tras varios años trabajando en conjuntos como la Compañía Nacional de Danza en Madrid, Theater Ulm en Alemania y Jacopo Godani en Bélgica, se integró en el Ballet de Frankfurt bajo la dirección de William Forsythe y fue miembro de la Forsythe Company del 2005 al 2015. Desde entonces es parte de Dance on Ensemble en Berlín. También ha realizado sus propios proyectos coreográficos.
Lucía Lacarra Ballet exhibirá del 11 al 15 de junio Fordlandia, un espectáculo en el que danza, música y arte visual se conectan sin pausa. Junto a Matthew Golding, Lacarra ideó un espectáculo onírico que plasmara una separación y distanciamiento vivido tanto como pareja artística, como en la vida real, durante el confinamiento. Ella pasó este encierro en Zumaia y él en Ámsterdam.
Huyendo de una narrativa lineal, la obra aborda el tema de las diferentes maneras de separación forzada en una relación. Fordlandia se compone de seis piezas de danza de corte neoclásico, cuyas transiciones se realizan mediante diversos cortos cinematográficos.
Entre las distinciones, Lacarra fue nombrada la bailarina de la década en 2011, en la gala de World Ballet Stars en San Petersburgo. En 2022 recibió el Premio Max a la Mejor intérprete femenina de danza por In the still of the night y en enero de 2024, el Ministerio de Cultura de España la distinguió con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2023.
El mes de junio cerrará la temporada con propuestas para todos los gustos. Entre ellos el de Eva Yerbabuena, que en Yerbagüena (oscuro brillante) recurre de nuevo a la dualidad como forma expresiva, pero, sobre todo, reflexiva, en un espectáculo con música en directo.
Entre otros reconocimientos, Yerbabuena ostenta Premios Max a Mejor intérprete de danza y Mejor espectáculo de danza en 2005; la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2017; el Premio Max de las Artes Escénicas en la categoría de Mejor intérprete femenina de danza en 2019 o la Académica de Honor de la Academia de las Artes Escénicas de España en 2022.
El broche flamenco de la temporada lo pondrá el recital de Juan Manuel Fernández Montoya, Farruquito. Después de conquistar la cima del baile flamenco, se subirá al escenario para desplegar su mejor versión en un repertorio exclusivo.
La magia de la naturaleza de cOsmO y la historia de una chica lobo de La ragazza dei lupi sobresalen en la programación de la segunda semana de Teatralia, el Festival Internacional de Artes Escénicas para Todos los Públicos, que organiza la Comunidad de Madrid hasta el 30 de marzo en Madrid capital y otros 23 municipios de la región. Son los dos estrenos internacionales entre la docena de espectáculos que se representan hasta el próximo domingo 16.
Vuelve a Teatralia Teatro Gioco Vita, referente mundial del teatro de sombras, que ha mostrado sus trabajos en varias ediciones del festival desde 2007. El año pasado presentó, Il piccolo rei dei Fiori y este estrena La ragazza dei lupi (La chica de los lobos), basado en el libro The wolf wilder de Katherine Rundell, multipremiada escritora y ganadora del prestigioso premio Hans Christian Andersen en 2017. Narra la historia de una chica lobo de 11 años, que vive con su madre en los bosques de Rusia, interpretados por una actriz y un actor que manejan objetos y siluetas proyectadas sobre telas y pantallas, y transforman el escenario en bosques nevados o llanuras heladas.
Con un ritmo trepidante y a través de la palabra y la poética del teatro de sombras, nos enseñan a aprender a escuchar la naturaleza, a conocerla y respetarla. Después de su estreno el sábado 15 de marzo en Teatros del Canal (Sala Negra), al día siguiente se representará en el Real Coliseo de Carlos III de San Lorenzo de El Escorial.
cOsmO es una coproducción internacional entre la compañía mexicana Núbila Teatro y la canadiense Théâtre Motus, que coinciden en su vocación por investigar e integrar diferentes lenguajes en sus obras: texto, títeres, objetos, música, teatro de sombras… En cOsmO realizan un retrato irónico y tierno, divertido de la convivencia del hombre con la naturaleza en torno a los cuatro elementos: aire, agua, tierra y fuego. Proponen una experiencia visual y de teatro sensorial, y un viaje sonoro, a través de una música envolvente y evocadora. Habrá funciones el viernes en el Teatro Pradillo y el domingo en el Centro Comarcal de Humanidades Sierra Norte de La Cabrera.
También está presente la naturaleza en Allemaal Beestjes (Miles de millones de bichos), una creación del Theater De Spiegel de Bélgica, compañía especializada en la investigación y creación de espectáculos para la primera infancia. En sus obras combinan música, teatro, imágenes, marionetas, objetos, danza y tecnología.
Allemaal Beestjes (Miles de millones de bichos) que se exhibirá en tres funciones en Teatros del Canal (Sala Negra), dos mañana martes 11 y una el miércoles 12, es una creación de cine-concierto-performance que se inspira (y recrea) en las maravillas del mundo animal y vegetal, sobre todo en los insectos y las flores. Para ello rescatan y proyectan fragmentos de películas antiguas, de los primeros cineastas, además de otras imágenes de documentales científicos y de animación.
Con el uso de objetos y marionetas, y la música en vivo, el público se ve inmerso en un sinfín de formas y colores y en fabulosas imágenes que muestran maravillas de la naturaleza, como la germinación de una semilla, la polinización de una flor o una araña metódica que teje su telaraña.
Le Mensonge (La mentira) (Institut Français de Madrid, jueves 13 de marzo) es otra de las adaptaciones literarias que ha seleccionado Teatralia en su 29º edición. La artista francesa y coreógrafa Catherine Dreyfus se inspira en un cuento para niños de Catherine Grive para este espectáculo sin palabras. Interpretado por dos bailarinas y un bailarín con elementos circenses y el gesto, cuenta la historia de una niña que un día, a la hora de la cena, dice una mentira, que con los días irá creciendo y persiguiéndola.
Una niña protagoniza también Com els pingüins (Como los pingüinos), un espectáculo de humor y poesía visual basado en hechos reales: la vivencia de una menor (Helena Escobar, intérprete de esta obra) cuya infancia transcurrió entre médicos, hospitales y operaciones. El sábado 15 de marzo en el Centro Cultural Pérez de la Riva de Las Rozas.
Tras el éxito de su obra Smashed, en la que siete hombres y dos mujeres realizaban magistrales malabares con 100 manzanas y juegos de té, la compañía Gandini Juggling ha decidido responderse o cuestionarse a sí misma creando Smashed2 (Teatro Circo Price sábado 15 de marzo). En ella invierten la proporción entre los géneros y cambian las manzanas por siete sandías y 80 naranjas, pero mantienen las premisas que inspiraron esa creación. En esencia, esta obra vuelve a ser una pieza de malabarismo virtuoso inspirada en el trabajo de la gran coreógrafa Pina Bausch.
Llevada por su encanto y dominio escénico, Ana Torres da un homenaje a la literatura en En el kilómetro 523. Acompañada de un universo de voces en off y poniendo en juego varias técnicas teatrales (títeres, teatro de objetos, sombras, canto…) emprende un viaje en el que cuenta la historia de amor de los padres de una niña (un aventurero y una bibliotecaria). Ambos ofrecen a su hija sus relatos tras cada uno de sus periplos: el de dos hermanos en Armenia, el de unos niños de una tribu del Cuerno de África, una leyenda japonesa... El sábado 15 en el Centro Cultural Pilar Miró y el domingo en el Teatro Municipal Las Catalinas de El Álamo, y el domingo 16 en el Teatro Municipal ‘Las Catalinas’ de El Álamo.
Una bailarina y un bailarín tratan de captar la atención de los más pequeños en Hvad er det? (¿Qué es esto?), de la compañía danesa Aaben Dans (Teatros del Canal, 16, 18 y 19 de marzo). La obra apela a la curiosidad, a las ganas de descubrir y de dejarse sorprender por cualquier cosa nueva que acontece. Y lo hace mediante la danza y el movimiento y el manejo de objetos como rollos de suelos, tapices de danza, moquetas, esterillas de yoga, cilindros… que se convierten en cuevas, altavoces y otras sorprendentes formas.
Pourquoi pas! (¡Por qué no!) del belga Alain Moreau cuestiona los prejuicios en torno al género reflexionando sobre las ideas preconcebidas sobre el reparto de roles entre padre y madre, entre niño y niña. Y lo hace con un dúo peculiar, tierno, divertido y loco, que componen un titiritero adulto y un títere bebé. El domingo 16 en la Sala Cuarta Pared.
Otros espectáculos que ya se han representado en esta edición de Teatralia vuelven a nuevos escenarios del festival durante el fin de semana. Son El mago de Oz, adaptación para teatro de títeres de la famosa obra de Lyman Frank Baum, que propone La Canica Teatro. Se exhibirá el viernes en el Centro Cívico Rigoberta Menchú de Leganés, el sábado en el Teatro Casa de la Cultura de Collado Villalba y el domingo en el Centro Sociocultural El Soto de Móstoles. A la gloria con Gloria Fuertes, que recrea el universo poético de la escritora española, podrá verse el sábado en el Teatro Dulce Chacón de Parla y el domingo en el Teatro Municipal de Coslada. Cierra estas funciones Mr. Bo, una obra sin palabras y con las técnicas del clown, de la compañía vasca Marie de Johng, el domingo en Teatro Tomás y Valiente de Fuenlabrada.
Una interpretación vanguardista del baile flamenco, un concierto de folk y rap experimental y un taller de construcción de animales en papel son las nuevas propuestas que 21 DISTRITOS, el programa de dinamización cultural del Área de Cultura, Turismo y Deporte, celebrará el próximo fin de semana.
El viernes 14 de marzo, a las 18:00 horas, las familias interesadas en potenciar su creatividad podrán participar en el taller Animalario, impartido por Bárbara Perdiguera en la Biblioteca Pública Municipal San Fermín (Usera). En él se construirán animales recortables inspirados en los que creó Tono –seudónimo de Antonio Lara de Gavilán–, autor perteneciente a la generación del 27, para posteriormente decorarlos con rotuladores y pegatinas. Al final se recreará una escenografía con los animales y habrá juegos con linternas y texturas para crear un imaginario nuevo.
El día 15, a las 19:00 h, el Centro Cultural Paco de Lucía (Latina) acogerá la obra más reciente de Rafael Ramírez, Lo preciso. En ella se fusiona la raíz con la vanguardia a través de su forma sofisticada de entender el baile flamenco. El bailaor y su compañía danzarán en torno a la idea de perfección, “utópica y efímera”, según sus propias palabras, como un modo de realizarse.
A las 20:00 h del mismo día, sábado 15, El niño Lord.Cah ofrecerá un concierto en las Nuevas Dependencias Casa del Reloj (Arganzuela), en colaboración con AIE (Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes de España) y en el marco del programa AIEnRUTa-Artistas. Un espectáculo musical en el que, como ella misma define, se cuentan "cuentos sórdidos para niños adultos”.
La próxima semana, los amantes de la creatividad podrán disfrutar de dos talleres el jueves, 20 de marzo: Animación stop motion, con Bárbara Perdiguera en la Biblioteca Pública Municipal San Fermín (Usera), y Collage Surrealista, con Madrid Street Art Project en la Biblioteca Pública Municipal Miguel Delibes (Moratalaz).
El siguiente fin de semana comenzará con una creación colectiva de toldos con materiales reciclados, el viernes 21 en la Biblioteca Pública Municipal María Zambrano (Tetuán); un concierto de Melón Jiménez & Lara Wong en el Centro Cultural Galileo (Chamberí), y un teatro de sombras chinas representado por Valeria Guglietti, en el Centro Sociocultural Ágata (Villaverde).
Este espectáculo se podrá ver también el sábado 22 en el Centro Cultural Zazuar (Villa de Vallecas), al igual que Las trágicas payasas de Shakespeare, una pieza de Hernan Gené que llegará al Centro Cultural Paco de Lucía (Latina). Además, en el Centro Sociocomunitario Cañada Real (Vicálvaro) se podrá descubrir el arte milenario de las sombras chinescas en un taller de iniciación junto a Valeria Guglietti.
Este programa del Área de Cultura, Turismo y Deporte para la dinamización de los barrios a través de acciones artísticas y culturales nació en octubre de 2020. Sus objetivos principales son apoyar al tejido artístico, motivar la participación ciudadana en la vida cultural de la ciudad, crear nuevas audiencias y optimizar el uso de los múltiples recursos y espacios municipales diseñados para la cultura
El Auditorio del Centro Cultural Eduardo Úrculo de Tetuán es uno de los escenarios escogidos por el prestigioso festival ‘Ellas Crean’, que celebra este año su XXI edición. El evento, que tiene como objetivo dar visibilidad al trabajo de artistas y creadoras del mundo de la cultura, hace parada por primera vez en el distrito con tres espectáculos. La concejala de Tetuán, Paula Gómez-Angulo, ha asistido esta tarde al primero de ellos, Plus, un concierto de Trinidad Jiménez, Gal Maestro, Lucía Martínez y Leonor Leal que aúna jazz y flamenco, con improvisación y danza del siglo XXI.
‘Ellas Crean’ es un festival multidisciplinar de música, danza, cine, poesía, literatura, artes visuales, performance y encuentros, con las mujeres como protagonistas, que se celebra del 1 al 29 de marzo en diferentes recintos de Madrid como CentroCentro, el Museo Nacional del Prado, el Museo Arqueológico Nacional, el Café Berlín o la Sala Clamores, además de tener eventos por primera vez en otras ciudades como Segovia, Vigo, o La Coruña.
Además, el festival llevará al Auditorio del Centro Cultural Eduardo Úrculo de Tetuán, el próximo 15 de marzo, Arpaora, de Ana Crismán, un concierto donde la artista se adentra en un terreno no explorado e investiga la sonoridad infinita del arpa, llevándola al territorio flamenco. Crismán realiza en este espectáculo un recorrido por composiciones propias que se inicia con una zambra y se extiende por los palos flamencos más representativos.
La tercera cita del festival en el distrito será el viernes 21 de marzo, con la lectura dramatizada de Teresa y Juana, realizada por Las Hijas de Eva. Basada en los textos y la personalidad de Teresa de Jesús y Sor Juana Inés de la Cruz, la obra refleja sus luchas contra las estructuras de dominación masculina. Dirigida e interpretada por Inma Nieto junto a Elisabet Gelabert, estas voces históricas dialogan con un relato del siglo XXI.
21 DISTRITOS, programa de dinamización cultural del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, presenta una nueva edición de la convocatoria para participar en el festival multidisciplinar La Sub25, que celebrará su quinta edición del 27 al 29 de junio en diferentes espacios del distrito de Arganzuela. Esta convocatoria pública ofrece a los jóvenes la oportunidad de mostrar su trabajo en un ámbito de gran visibilidad, apoyando el talento emergente y dotando al festival de contenidos multidisciplinares de calidad.
Los creadores podrán presentar sus propuestas hasta el próximo 3 de abril a través de la página web de 21 DISTRITOS. Para participar es necesario crear un perfil de usuario y cumplimentar el formulario de inscripción. Cada solicitante podrá presentar hasta tres propuestas, y el único requisito es tener un máximo de 25 años, aunque este límite es preferente, no excluyente. En cualquier caso, la persona que presente la propuesta no podrá superar dicha edad, aunque se podrán valorar proyectos en los que algunos miembros del equipo excedan este límite.
La Sub25, una de las citas principales de 21 DISTRITOS, celebra este año su quinta edición en diferentes espacios del distrito de Arganzuela y en el entorno de Madrid Río: la Explanada Negra, el lateral del Invernadero del Palacio de Cristal, la Nave de Terneras y la Casa del Reloj. La programación del festival vela por el desarrollo y apoyo del tejido artístico, el acercamiento y creación de nuevos públicos en un espacio donde conviven el teatro, la danza, el circo, la moda, la música, la performance y las artes visuales.
El cartel de este año estará protagonizado por actividades centradas en generar encuentro, participación e interacción entre los asistentes, así como en dar a conocer trabajos con este perfil dirigidos a gente joven, independientemente de la edad de los gestores que los desarrollen. La entrada al festival es gratuita.
Este programa del Área de Cultura, Turismo y Deporte para la dinamización de los barrios a través de acciones artísticas y culturales nació en octubre de 2020. Desde entonces ha superado ya las 1.000 actividades programadas y ha acogido a más de 250.000 espectadores en sus casi cinco años de existencia.
El Centro Cultural Conde Duque ha decidido prorrogar la exposición Del juguete al cielo hasta el próximo 20 de abril debido a su gran éxito de público. Desde su inauguración el pasado 18 de diciembre, cerca de 40.000 personas han visitado la Sala 1 de Exposiciones para descubrir la historia contemporánea a través de juegos y juguetes, con una selección de piezas antiguas pertenecientes a la colección privada Quiroga-Monte. La muestra ha contado con la visita de más de 300 grupos —centros de día y de mayores, colectivos culturales, etc.—, lo que la ha convertido en una de las más visitadas en la historia de este espacio municipal.
Las peticiones de diferentes colectivos solicitando la continuación de la muestra, los testimonios recogidos en los libros de visitas y la predisposición de los propietarios de la colección y comisarios de la exposición han sido determinantes en la decisión de prorrogar la muestra, de forma que puedan disfrutarla también los visitantes que acuden a Madrid con ocasión de las fiestas de Semana Santa.
Organizada por la Dirección General de Bibliotecas, Archivos y Museos del Ayuntamiento, Del juguete al cielo se presenta como la más amplia exposición realizada hasta la fecha sobre el juguete español, compuesta por una cuidada selección de 500 piezas originales de la Colección Quiroga-Monte. Abarca 125 años de la trayectoria de la industria juguetera española (1860-1985), mostrando los cambios sociales en las modas y en los gustos de la población infantil.
La exposición se articula en siete apartados temáticos que comprenden desde los clásicos trenes y muñecas hasta los juegos de mesa y los juguetes de madera de la posguerra. Se rinde homenaje a los fabricantes locales de Madrid y a los juguetes inspirados en la capital, incluyendo reproducciones de vehículos emblemáticos como el Seat 600, la locomotora MZA de RENFE y los tradicionales autobuses de dos pisos, siempre poniendo en contexto cada pieza a través de fotografías y referencias históricas.
Otra sección destacada de la exposición es la dedicada a los dioramas. Estas construcciones, destinadas a los más pequeños, permitieron conocer el mundo real y, de forma especial, los recintos sociales a través del entretenimiento y la diversión. Por ejemplo, la muestra recoge diferentes carruseles, cuadras con caballos, carruajes o aulas escolares. También se hace un recorrido por la evolución de la moda infantil a través de muñecas icónicas como Mariquita Pérez, Cayetana y Gisela, que reflejan los estilos más representativos del siglo XX. Además, la exposición recoge figuras de distintos oficios y personajes emblemáticos, desde exploradores y mecánicos hasta artistas de circo como el famoso payaso Ramper.
Para cerrar el recorrido, se ha recreado un rincón dedicado a los juegos de mesa más populares en España, donde los visitantes podrán redescubrir clásicos fabricados en España como la tradicional lotería, la ruleta parisién, los Juegos Reunidos Geyper, la Arquitectura Moderna Borrás o el imperecedero Meccano.
El acceso a la muestra es gratuito y puede visitarse de martes a sábado, de 10:00 a 14:00 horas y de 17:30 a 21:00 horas, y los domingos y festivos de 10:30 a 14:00 horas.
Centro Danza Matadero, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte, presenta del 13 al 16 de marzo Txalaparta, espectáculo que combina danza contemporánea y raíz vasca y última creación de la compañía Kukai Dantza junto al coreógrafo Jesús Rubio. Mediante la txalaparta, instrumento de percusión tradicional vasco, la obra muestra la relación entre el cuerpo y el sonido, basándose en este instrumento para experimentar con percepciones y movimiento, pues la txalaparta suena a partir de los golpes que van produciendo los que la percuten.
Kukai Dantza une en esta creación la dinámica compositiva y el vigor de los bailarines de la compañía. “Acercarme al trabajo de Kukai me ha hecho volver a mirar la danza desde su raíz, desde su carácter ritual que mantiene unidas a las personas a través del tiempo”, apunta Jesús Rubio. “Sus bailes me han hecho recordar el poder que tiene la danza de unir lo tangible y lo intangible, la tierra con el cielo. La danza de Kukai tiene la fuerza de los caballos y la ligereza de las aves”, añade el coreógrafo.
Kukai Dantza nace y reside en Rentería (Guipúzcoa), a iniciativa del bailarín Jon Maya Sein en el año 2001. Teniendo como sello la creación contemporánea a partir de la danza tradicional, ha cultivado un lenguaje propio con espectáculos como Oskara, Erritu, Gelajauziak o Topa, y colaboraciones con compañías como Tanttaka Teatroa o con los coreógrafos Marcos Morau, Sharon Fridman, Israel Galván y Cesc Gelabert. Además, Kukai Dantza trabaja espectáculos singulares en museos o espacios naturales, y sus obras se han representado en teatros y festivales de más de 25 países.
En 2009, Kukai Dantza emprendió una línea creativa basada en la invitación a coreógrafos de distintas procedencias artísticas para ofrecer una nueva mirada hacia la danza. En esta ocasión, con Txalaparta, la compañía aborda un intenso proceso creativo junto al coreógrafo Jesús Rubio, que la lleva a seguir desarrollando su estilo de creación contemporánea inspirada en la danza de raíz.
Kukai Dantza ha recibido el Premio Nacional de Danza 2017, Premios Max a las artes escénicas en 2009, 2015, 2017 y 2019, Premio de la Crítica de Catalunya 2016, Premio Donostia de Teatro, Premios en Festivales Internacionales de Huesca y Valladolid, así como el Premio de Honor Umore Azoka. En paralelo a su proyecto artístico, en su residencia de Rentería, Kukai Dantza desarrolla un proyecto de participación ciudadana mediante proyectos con escuelas, colectivos y jóvenes bailarines.
Después de Txalaparta, Centro Danza Matadero, el nuevo teatro de Madrid dedicado a acercar la danza en todas sus versiones −flamenca, clásica y contemporánea– a todos los públicos, acogerá a Cía. Daniel Abreu, que exhibirá, del 19 al 22 de marzo, cuatro espectáculos de temáticas universales: La desnudez, El hijo, VAV y Es aquí. Para cerrar el mes, la Käfig Compagnie de Mourad Merzouki presentará del 26 al 29 de marzo Zéphyr, una muestra internacional de hip hop llena de movimiento.
Hasta junio de 2025, Centro Danza Matadero tiene programados 66 espectáculos, 140 funciones, seis estrenos absolutos y ocho coproducciones, con la participación de 48 compañías nacionales y ocho internacionales.
El distrito de Tetuán se vuelca en su programación cultural con las actividades para conmemorar el Día Internacional de la Mujer y programa una actividad especial donde las mujeres del distrito son participantes y absolutas protagonistas: la exposición de fotografía ‘Mujeres de Tetuán’.
Una muestra que han inaugurado esta mañana la delegada de Cultura, Turismo y Deporte, Marta Rivera de la Cruz, y la concejala del distrito, Paula Gómez-Angulo, en el Centro Cultural Eduardo Úrculo. “Con esta exposición queremos que el 8 de marzo en Tetuán no sea como siempre”, ha declarado Gómez-Angulo, “nos hemos querido centrar en las mujeres reales que construyen este distrito día a día. A través de sus rostros y de sus historias reivindicamos su papel en la vida del barrio y en el alma de Tetuán”.
‘Mujeres de Tetuán’ es una exposición de retratos que rinde homenaje a mujeres anónimas del distrito, con fotografías de Laura Silleras. Tanto la artista como las 30 mujeres protagonistas de la exhibición han asistido esta mañana a la inauguración de la exposición, que estará en cartel hasta el 8 de abril.
‘Mujeres de Tetuán’ es un proyecto que sumerge a los espectadores en la vida cotidiana de 30 mujeres anónimas, con retratos y escenas urbanas que capturan la esencia de estas protagonistas y los espacios que habitan, haciendo un recorrido por los seis barrios del distrito: Bellas Vistas, Cuatro Caminos, Castillejos, Almenara, Valdeacederas y Berrugete.
Además del Centro Cultural Eduardo Úrculo, son escenario de esta singular exposición diferentes puntos del espacio público: hay algunas fotografías en calles, autobuses, comercios y estaciones de metro. Con la exposición, comisariada por Frenesí Fine Arts y Marta Moriarty, un total de 60 imágenes llenas de fortaleza, generosidad, belleza y complejidad toman Tetuán y muestran a mujeres que posan y pisan fuerte.
La Comunidad de Madrid ha comenzado esta semana su Festival Internacional de Arte Sacro (FIAS), que en esta su 35ª edición y hasta el 19 de abril, ha programado 41 conciertos de música clásica y melodías actuales que se funden con patrimonio e historia para disfrutar del sonido de piezas antiguas en aquellos espacios para los que fueron concebidas, algunos tan singulares como la Basílica de San Miguel, la Capilla del Palacio Real y la iglesia de Santa Bárbara. A estos enclaves se unirán otros escenarios repartidos en ocho municipios de la región.
La Basílica de San Miguel será hasta el 9 de marzo el escenario para varios conciertos como el de hoy, donde se interpretarán una amplia selección de obras del siglo XVIII a cargo de la formación Il Fervore junto a las voces de la soprano Jone Martínez y la mezzosoprano Lucía Caihuela. También acogerá Los Afectos Diversos, el Concerto di Margherita de Suiza, L’Apothéose, Vespres D’Arnadí, La Ritirata, The Ministers of Pastime, Musica Alchemica y Delirivm Musica.
Por otro lado, bajo la cúpula de la Capilla del Palacio Real el grupo Ayres Extemporae presentará, el lunes 10 de marzo, Erbarme Dich. En este mismo espacio se estrenará el ensemble Ars Atlántica el 14 de este mes, de Amor humano, amor divino, con piezas vocales de Juan Hidalgo y sus sucesores.
Ballarte Ensemble lleva el día 16 a este mismo enclave su versión del auto sacramental El gran teatro del mundo, de Calderón de la Barca. El día antes recalará la iglesia de Nuestra Señora de la Asunción de Galapagar.
La monumental iglesia de Santa Bárbara, erigida en el barrio de las Salesas a mediados del siglo XVIII, recibe un año más al FIAS con dos citas que cierran el ciclo dedicadas a Mathieu Aubery, músico de la pequeña corte de Mariana de Neoburgo y a Carlos Patiño, maestro de la Capilla Real, en el 350 aniversario de su muerte.
Ambos conciertos forman parte de la sección del festival Tiempos Modernos y responden a un encargo que hizo el FIAS a sus intérpretes. Uno es el conjunto vocal e instrumental de música antigua La Grande Chapelle, que ofrece el 8 de abril el recuerdo a Carlos Patiño. Y el otro es El Gran Teatro del Mundo el 10 de marzo.
CentroCentro, centro del Área de Cultura, Turismo y Deporte, se suma a las propuestas que en la ciudad se hacen eco de la temática principal de la 44ª edición de ARCOmadrid, el Amazonas, con la exposición Trópico sin tópico: Amazonas. Comisariada por Halim Badawi, la exposición reúne piezas de fotografía, escultura, pintura, grabado y arte textil de 25 artistas iberoamericanos y propone un giro en la manera en que desde el imaginario europeo se entiende el legado indígena y su relación con el mundo contemporáneo.
“A lo largo de los años, las culturas indígenas han sido interpretadas desde una perspectiva idealizada, como fuente de inspiración para el arte occidental o desde estereotipos que las presentan como poseedoras de todas las respuestas frente a la crisis global”, explica el comisario. “Esta muestra busca romper con esas visiones reduccionistas y adentrarse en las tensiones políticas, sociales y culturales que atraviesan estos territorios y comunidades”, añade Badawi.
Desde la devastación causada por el genocidio del caucho hasta la colonización de imaginarios indígenas con elementos judeocristianos y extractivistas, la exposición destaca cómo las comunidades indígenas no son ajenas a las contradicciones del mundo contemporáneo. Artistas como Julieth Morales cuestionan la exclusión del cuerpo femenino, mientras otros participantes reivindican a líderes indígenas como Manuel Quintín Lame, quien simboliza la lucha de comunidades marginadas. Además, la muestra incluye propuestas que buscan desmitificar las categorías tradicionales del arte que confinan las creaciones indígenas a la artesanía o la decoración.
El título Trópico sin tópico invita a superar los clichés sobre las selvas americanas y a imaginar un futuro de coexistencia y diálogo entre especies, basado en la igualdad y la sostenibilidad. La exposición lleva a reflexionar sobre la necesidad de construir un mundo más equitativo y amable para todas las formas de vida. La muestra se podrá ver de forma gratuita hasta el 22 de junio en la planta 3 de CentroCentro.
El Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, acogerá los próximos días 8 y 9 de marzo el estreno en Madrid de Haribo Kimchi, del artista surcoreano Jaha Koo, en colaboración con el Centro Cultural Coreano en España. Se trata de una performance que combina música electrónica, videoarte, robots y cocina en vivo, adentrándose en la cultura alimentaria coreana y su impacto social.
En 2018 y 2021, Condeduque acogió, durante Veranos de la Villa, las dos últimas piezas de la trilogía Hamartia (Cuckoo y The history of korean western theatre), en la que el creador escénico, compositor musical y videoartista surcoreano Jaha Koo abordaba la historia política de Corea del Sur y, por extensión, el imperialismo, tan constitutivo e identitario en Asia Oriental. Este año vuelve con su nueva pieza, Haribo Kimchi, donde lo cultural vuelve a estar en el centro, absolutamente volcado en esta ocasión en los actos de cocinar y comer.
El escenario lo ocupa un dispositivo escénico inspirado en un pojangmancha, el típico snack bar nocturno de Corea del Sur. Allí se dan cita varias almas perdidas: un youtuber, una anguila, un sapo y una arrocera. El viaje culinario explora la cultura alimentaria como una forma de lenguaje capaz de revelar la estructura de una sociedad.
Una sucesión de anécdotas, tan absurdas como conmovedoras, sirven para relatar algunos grandes hitos, como la globalización de la cultura kimchi (el plato tradicional coreano, hecho a base de verduras fermentadas) a partir de la diáspora coreana, o el canibalismo durante la gran hambruna de Corea del Norte a finales del siglo XX, junto a sentimientos más íntimos como ‘el agrio dolor del racismo sin adulterar y el profundo sabor umami del hogar’, en palabras del artista.
Jaha Koo es un creador de teatro y performances, compositor musical y videógrafo surcoreano. Su práctica artística abarca su propia música, video, texto y objetos robóticos.
Su trilogía Hamartia incluye Lolling and Rolling (2015), Cuckoo (2017) y The History of Korean Western Theatre (2020). La trilogía representa una exploración a largo plazo del panorama político, la historia colonial y la identidad cultural del este de Asia. Temáticamente, se centra en cuestiones estructurales de la sociedad coreana y en cómo el pasado ineludible afecta trágicamente nuestras vidas actuales.
Koo se licenció en Estudios Teatrales (BFA, 2011) en la Universidad Nacional de Artes de Corea y obtuvo una maestría (MA, 2016) en el Teatro DAS de Ámsterdam. Su última creación, Haribo Kimchi, se estrenó en junio de 2024 y llega ahora al Centro de Cultura Contemporánea Condeduque. |
