El Corral de Comedias acoge la versión teatralizada de una conferencia de Lorca

La agenda cultural de la Comunidad de Madrid estará marcada este fin de semana por dos espectáculos que se estrenan en España, en los Teatros del Canal: Reclaim, el nuevo trabajo de la compañía belga T1J (Théâtre d’Un Jour), bajo la dirección de Patric Masset (Sala Roja, jueves 20, viernes 21 y sábado 22); y Sahara de la coreógrafa italiana Claudia Castellucci (Sala Negra, viernes y sábado).

Tras su paso por el Festival d’Avignòn y ganadora el pasado año del Prix Maeterlinck de la Crítica al mejor espectáculo circense, Reclaim recurre a la forma de un ritual inspirado en prácticas chamánicas de Asia central y con las que las mujeres intentan construir una relación más igualitaria con los hombres para crear un mundo más justo.

A lo largo de sucesivas escenas, acróbatas y violonchelistas que interpretan música barroca, recrean poéticamente ese mundo primitivo, casi sin palabras, a través de la danza y una coreografía de gran nivel acrobático, sumergiendo al espectador en un mundo salvaje de mujeres, hombres y animales que evolucionan en una pista circular, rodeados del público.

Por su parte, Sahara es una obra en la que seis bailarines, acompañados de la música de Stefano Bartolini, plantean el reto de crear danza en un espacio aparentemente vacío: el desierto.

Siguiendo en Canal, paralelamente, en la Sala Verde continúan las funciones de la comedia La gran ilusión bajo la dirección de Lluís Pasqual, basada en La gran magia de Eduardo de Filipo (de jueves 20 a domingo 23). Se trata de uno de los espectáculos fundamentales en la escena argentina del pasado año.

Pasqual retoma con esta producción uno de sus grandes proyectos. Estrenada en Barcelona en 2016, tres años después se reestrenó en Nápoles con actores italianos y ahora la ha recuperado con el Teatro San Martín / Complejo Teatral de Buenos Aires con actores argentinos.

A su vez, el Teatro de La Abadía ofrece las últimas representaciones de Caperucita en Manhattan, coincidiendo con el centenario de su autora Carmen Martín Gaite, una de las novelistas españolas más importantes del siglo XX, con adaptación y dirección de Lucía Miranda (Sala Juan de la Cruz, de jueves 20 a domingo 23).

Mientras, en el escenario de su Sala José Luis Gómez permanece El sillón K. Cartas desde el olvido: Carmen Conde y Katherine Mansfield, dirigida por Paula Paz (hasta el 2 de marzo). Una obra dedicada a la escritora Carmen Conde y su relación epistolar unidireccional con Katherine Mansfield, fallecida doce años atrás. La palabra, la música y la danza se funden en esta puesta en escena poética para rescatar del olvido a la primera mujer con silla propia en la Real Academia Española (RAE).

La Compañía Nacional de Danza presentará el ballet clásico Don Quijote en el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial (sábado 22). Una semana después lo llevará al Teatro Real de la capital (del 27 de febrero al 2 de marzo).

Se trata de uno de los ballets más populares de la danza clásica, en la versión coreográfica de José Carlos Martínez, sobre el original de Marius Petipa. La partitura de Ludwig Minkus sonará en grabación de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) bajo la batuta de José María Moreno.

El ballet de Petipa fue, junto con El Lago de los Cisnes, uno de los más populares en Rusia, donde se creó en 1869 sobre la partitura de Minkus. En esta ocasión contará con un elenco formado por catorce bailarines, entre los que destacan Cristina Casa y Thomas Giugovaz, interpretando a Quiteria y Basilio, respectivamente.

También en la localidad serrana, en el Real Coliseo Carlos III podrá disfrutarse este fin de semana de tres producciones. El viernes 21, de la obra Praga 1941. Jóvenes rubios no paran de gritar frente a mi casa, de Paco Gámez y dirección de José Luis Arellano, a partir de textos de los diarios de Petr Ginz (1928 - Auschwitz, 1944), un joven checo de origen judío cuyo dibujo de la Tierra vista desde la Luna se convirtió en símbolo del Holocausto.

Al día siguiente, sábado 22, el escenario escurialense será el marco del concierto Música escénica de José Nebra, a cargo de la Camerata Händel, orquesta de cámara fundada en 2014 con el objetivo de la recuperación y difusión de la música de los siglos XVII y XVIII, bajo la dirección de Rubén Simó.

Para finalizar, el domingo 23 se podrá ver Burro, de Álvaro Tato y dirección de Yayo Cáceres. Protagonizada por Carlos Hipólito, la compañía Ay Teatro presenta esta tragicomedia, con música en directo, inspirada en las obras maestras de la literatura que giran en torno al asno.

En Alcalá de Henares, el Corral de Comedias ofrecerá (sábado 22 y domingo 23) Las nanas según Lorca, dirigida por Jorge Padín. La compañía teatral Ultramarinos de Lucas recrea esta apasionada conferencia impartida el 13 de diciembre de 1928 en la Residencia de Estudiantes de Madrid, para dar vida sobre el escenario a las palabras y canciones de cuna que con tanto esmero recogió el autor, mostrando la fusión melódica de las distintas regiones de España.

Las propuestas expositivas de la Comunidad de Madrid continúan en sus diferentes espacios, todas con entrada gratuita. La Sala Alcalá 31 presenta (hasta el 20 de abril) la muestra Secundino Hernández en obras. Esta es la primera muestra institucional del pintor madrileño en su ciudad natal, planteada como un itinerario por sus casi 30 años de carrera artística. Se presenta no tanto como un recorrido cronológico tradicional, sino como un acercamiento a su trabajo a partir de una serie de preocupaciones o intereses cruciales de su pintura. Incluye cerca de 70 obras que van desde la más antigua, realizada en 1996, hasta una de gran tamaño fechada en 2025.

En las instalaciones de la Sala Canal de Isabel II permanece Caprile Lorenzo, un viaje por la vida y obra del modista a través de sus vestidos más icónicos, que se han convertido ya en historia de la moda. La muestra reúne más de un centenar de sus vestidos, además de cuadros, mobiliario y objetos de artes decorativas, en un recorrido por sus prendas más icónicas. Puede visitarse hasta el 30 de marzo, con reserva previa.

En la Sala de Arte Joven, la Administración autonómica presenta la obra de cinco artistas emergentes que analizan las fuerzas de la naturaleza y los ciclos vitales bajo el título Las iguanas van a morder a los hombres que no sueñan, comisariada por Raquel Algaba (hasta el 20 de abril).

Por su parte el Museo Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid (CA2M), con sede en Móstoles, inicia la temporada expositiva 2025 con una exposición dedicada a Jorge Satorre. Bajo el título Ría, recorre los últimos 15 años de la obra del artista mexicano. Podrá visitarse hasta el 31 de agosto.

Acompañando esta muestra se presenta Juego infinito de cuerdas bajo el sol, una propuesta de la ilustradora María Medem que propone no sólo ocupar las paredes del CA2M con algunos de sus dibujos, sino también los huecos de la escalera y la biblioteca con trabajos realizados sobre distintos textiles que ofrecerán al visitante la posibilidad de interactuar con algunas de sus obras.

Por último, cabe recordar que continúa (hasta el 31 de julio) Flamboyant. Joana Vasconcelos en el Palacio de Liria, exposición organizada por la Fundación Casa de Alba con el patrocinio del Gobierno regional. Se trata de una oportunidad única para conocer la obra de esta artista portuguesa de prestigio internacional a través del diálogo entre una de las colecciones histórico-artísticas privadas más importantes del mundo y el arte rompedor de Vasconcelos.

El Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, acogerá los próximos días 27 y 28 de febrero la última obra hasta la fecha del dramaturgo y coreógrafo malagueño Alberto Cortés: Analphabet, una performance con elementos de poesía que reflexiona sobre el amor, el dolor y la transformación.

«Al atardecer, después de que una pareja discuta fuertemente en la playa de Gulpiyuri, un fantasma omántico llamado Analphabet aparece sobre el mar a narrar su historia y cantar canciones a la pareja», explica Alberto Cortés. Es un ser de leyenda cuyo relato pone en primer plano las violencias intragénero y los desafíos emocionales de las relaciones modernas. Como espíritu atormentado se inspira en la poesía del romanticismo alemán, de autores como Goethe, Hölderlin o Novalis, pero también tiene influencias andaluzas y vascas. Analphabet, aunque viene moribundo y herido sobre un caballo, trae consigo una esperanza: la poesía como medio de sanación.

Nacido en Málaga en 1983, Alberto Cortés se formó en Dirección de escena y Dramaturgia e Historia del Arte. Su inquietud por encontrar las conexiones entre las artes escénicas y las artes plásticas empieza a encontrar sentido a través de su trabajo como director. En 2008 funda la compañía Bajotierra junto a la actriz Alessandra García y a lo largo de su carrera ha impulsado iniciativas como el festival de escena alternativa de Málaga El Quirófano, el ciclo Escena Bruta o acciones de mediación y comunicación entre artistas y comunidades como Territorio Expansivo, proyectos que lleva adelante junto a otros compañeros de profesión.

En 2012 comienza un camino de investigación individual bajo su propio nombre, en el que se centra en el uso del cuerpo para la escena contemporánea. Es también Máster de profesorado por la Universidad de Málaga y en 2013 comienza a impartir talleres sobre nuevas dramaturgias y creación contemporánea. En la actualidad tiene su sede en Sevilla, donde desarrolla sus propios proyectos escénicos, comparte sus inquietudes personales a través de los talleres y acompaña los procesos creativos de otras creadoras y compañías

El teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa, del Área de Cultura, Turismo y Deporte, prorroga una semana más el espectáculo Los gigantes de la montaña, un montaje sobre el último texto del dramaturgo y ganador del Premio Nobel de Literatura italiano Luigi Pirandello, que ha sido un éxito desde su estreno el pasado 21 de enero. La obra permanecerá en cartel hasta el domingo, 2 de marzo.

Los gigantes de la montaña es una pieza inacabada que lleva al público al límite entre la fábula y la realidad. César Barló dirige a seis actores y tres actrices —Teresa Alonso, Juan Carlos Arráez, Samuel Blanco, Moisés Chic, David Ortega, José Gonçalo Pais, Javi Rodenas, Natalia Rodríguez y Paula Susavila­— jugando con el realismo mágico que Pirandello propone en este texto de 1937 y que no había estado en los escenarios desde hace casi 50 años.

El montaje ofrece otra novedad: su puesta en escena no se desarrolla solo en el escenario de la Sala Jardiel Poncela, sino que están involucrados otros espacios del teatro, como el vestíbulo, de manera que el público acompaña a los actores en este espectáculo itinerante.

Una compañía de cómicos, liderados por La Condesa Ilse, llega a la Scalogna, un lugar en una isla al pie de la montaña. Cotrone, el Mago, recibe a la compañía con la esperanza de que se queden en aquel caserón lleno de espíritus y fantasmas. Los cómicos, que están en la precariedad absoluta, creen que podrán realizar allí alguna representación de la Fábula del hijo cambiado, obra previa de Pirandello que no llegó a representarse, pero que sirve de base a Los gigantes de la montaña. Esperan así salir de la miseria, pero nada más lejos de sus expectativas.

El mago Cotrone, su anfitrión, les plantea que allí viven los sueños, esos que la conciencia a veces rechaza para no sentirse fuera de la sociedad. Y esta situación genera el conflicto en la compañía. Ahora deben decidir si quieren actuar en el mundo del que vienen o prefieren quedarse en este lugar ideal, donde parece que todo puede hacerse realidad. Cuando finalmente deciden ofrecer su espectáculo al mundo de los gigantes, sufren al ver cómo el mundo de lo material y lo prosaico ya no se comunica con el mundo del arte. Y su propuesta se ve desahuciada por el público asistente.

De ahí surgen las preguntas que se formulan desde Los gigantes de la montaña: ¿Cómo podemos resistir el ímpetu de un sistema que cercena los sueños y nos impone roles establecidos? ¿Podemos crear un espacio en nuestra vida donde nuestros anhelos puedan ser perseguidos y puedan hacerse realidad? Esa es la magia del texto y la base de esta propuesta para el público del siglo XXI.

AlmaViva Teatro nos presenta un montaje arriesgado que plantea cómo nos relacionamos con ‘el otro’ y qué posición tomamos ante la vida, en un diálogo con los espectadores desde el punto de vista más genuino y humano. La compañía llega al teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa después de casi 20 años de trayectoria. A lo largo de este tiempo ha investigado sobre textos poco representados, siempre con un calado social y con una puesta en escena basada en la relación con el público, buscando una experiencia que quede impregnada en él y consiga trasladarle una perspectiva humana social a través del teatro.

La consejera de Familia, Juventud y Asuntos Sociales de la Comunidad de Madrid, Ana Dávila, ha visitado la Exposición de Arte de los centros públicos para personas con discapacidad intelectual Tintas 4, en la Biblioteca Regional Joaquín Leguina. En ella ha podido contemplar las más de 80 obras realizadas por usuarios de estos dispositivos dependientes de la Agencia Madrileña de Atención Social (AMAS).

Dávila ha destacado “la creatividad de estas, reflejada en las distintas obras pictóricas y cerámicas”. Además, ha resaltado cómo esta iniciativa “contribuye a su socialización, contribuyendo a su mayor integración social”. También ha valorado el trabajo de los centros de la AMAS, que cuentan con “profesionales volcados en potenciar la autonomía, prevenir la dependencia e impulsar su calidad de vida y la de sus familias”. La muestra podrá visitarse de forma gratuita hasta el 30 de marzo de lunes a sábado de 10 a 20 horas y los domingos y festivos de 10 a 14h.

La Comunidad de Madrid dedica una exposición al universo artístico y creativo del pintor Secundino Hernández hasta el próximo 20 de abril en la Sala Alcalá 31. La muestra recorre la trayectoria de este artista, una de las figuras más destacadas del arte actual, a través del dibujo, la superficie pictórica, la forma y la figura humana.

El consejero de Cultura, Turismo y Deporte, Mariano de Paco Serrano, ha presentado el montaje Secundino Hernández en obras donde ha destacado que “visitando esta antología no queda la más mínima duda de que el creador madrileño ocupa ya una posición preeminente dentro del arte pictórico, no solo actual sino de todas las épocas”.

La exposición ofrece al visitante cerca de 70 creaciones procedentes tanto de colecciones privadas como de instituciones nacionales e internacionales, que van desde la más antigua realizada en 1996 hasta una de gran formato fechada en 2025. A través de ellas, se pone de manifiesto la insistencia de la práctica por investigar el lenguaje de la pintura.

El título, Secundino Hernández en obras, hace referencia tanto al objetivo de la exhibición de resumir toda una carrera artística, como al carácter temporal de la selección, que deberá irse ampliando y variando con el tiempo en futuras antologías.

Se propone así un análisis sobre los aspectos fundamentales que el pintor ha desarrollado en su expresión pictórica y sobre los que continúa trabajando desde sus inicios hasta la actualidad. El visitante podrá disfrutar así de una muestra que se divide en cuatro secciones: la importancia del dibujo como base de la pintura; la superficie como espacio de representación y como elemento plástico; la forma en la composición pictórica y en la creación de un lenguaje propio y la figura humana, que supone la única incursión del pintor fuera de la abstracción.

Como parte de la experiencia, la Sala Alcalá 31 ofrece actividades complementarias como talleres escolares y familiares, recorridos dialogados o encuentros con el artista y el comisario. De la misma manera, la Comunidad de Madrid ha coeditado una publicación sobre Hernández, que incluye textos del comisario, así como de las especialistas Sonia Fernández Pan y Rocío Robles Tardío.

Más información en https://www.comunidad.madrid/actividades/2025/exposicion-secundino-hernandez-obras

Este sábado 22 de febrero tienes una cita en el Pabellón 1 del Recinto Ferial de IFEMA MADRID con el festival más divertido del mundo. Con un aforo limitado a 5.000 personas, Horteralia Madrid 2025 será una experiencia íntima y especial. No sólo es un festival; es una celebración de la música y de la moda más auténtica.

Horteralia vuelve a la capital de España y será todo un acontecimiento. Vete desempolvando ese ‘outfit’ de fantasía para ocasiones especiales porque esta edición será, ¡¡¡aún mas épica!!! Un evento que reúne lo mejor de la música del pasado, presente y futuro, con artistas dispuestos a darlo TO-DO en el escenario. Fiesta, risas y bailes sin control están asegurados.

En Horteralia la creatividad también tiene su recompensa y miles de hortefans volverán a luchar por alzarse con la Riñonera de Oro o las Hombreras de Plata. Prepárate para lucir tu mejor outfit, pasar por el Photocall del Postureo y competir por estos galardones emblemáticos. ¡Ponte tus mejores galas y no te pierdas esta fiesta irrepetible!

El cartel de esta edición mezcla nombres míticos de la música española con estrellas del pop, grupos emblemáticos, cantantes y djs actuales. Un cocktail explosivo para recordar este día forever.

Karina, la reina de la nostalgia, dice adiós a los grandes escenarios en una noche para el recuerdo en la que lanzará por última vez sus flechas del amor. Se despide un mito de la canción en España y los hortefans serán testigos de ese momento.

La Casa Azul tiene uno de los mejores directos de nuestro país y una puesta en escena única. El pop más electrónico y desenfadado llega de la mano del proyecto musical de Guille Milkiway, que desplegará en el escenario de Horteralia toda su explosión de luz y color.

Vicky Larraz, ex vocalista de Olé Olé, es una de las voces más representativas del pop español. Con su inconfundible energía y su actitud provocadora, ha dejado una huella imborrable en la música de los años 80 y 90, convirtiéndose en un ícono de la música pop-rock en español.

Nebulossa es una banda emergente que fusiona sonidos contemporáneos con la esencia del pop más kitsch y electrónico. Su 'Zorra' ha conquistado rápidamente a una nueva generación de fans, pero tiene mucho más.

Sonia y Selena. 23 años después de su gran hit, 'Yo quiero Bailar', Sonia y Selena regresan para hacer temblar los escenarios de toda España con sus ritmos pegadizos.

Fórmula Abierta: el grupo nacido de Operación Triunfo nos hará revivir grandes hits bailables. La formación actual está compuesta por Verónica Romero, Javián y Naim Thomas, y ellos serán los encargados de interpretar temas como 'A tu lado' o 'Quiero más'.

OBK es un icónico dúo español de música electrónica y pop, formado originalmente por Jordi Sánchez y Miguel Arjona. Su estilo combina letras melancólicas con melodías pegadizas y sintetizadores al estilo de Depeche Mode. Con éxitos como 'Historias de amor' y 'La princesa de mis sueños', marcaron una era en los años 90 y 2000 como pioneros del electropop en español.

Amistades Peligrosas. Cristina del Valle y Alberto Comesaña son responsables de temas como 'Estoy por ti' y 'Me quedaré solo'. Surgidos en los años 90, dejaron una huella imborrable en la música en español con su combinación de pasión y compromiso.

La Perra y El Cari son un dúo dinámico que irradia frescura, descaro y energía en cada una de sus actuaciones. Con una mezcla de humor y talento, han conquistado al público con su estilo único, cargado de ritmo y diversión. Su música es un homenaje al pop más rebelde y sin complejos.

Sharonne, ganadora de Drag Race España, es una artista única, una diva en estado puro que se caracteriza por su poderosa voz y su deslumbrante presencia en el escenario. Su estilo audaz y su carisma la han convertido en una de las figuras más destacadas del panorama musical drag en España.

El arte volverá a conquistar el Barrio de Salamanca con la tercera edición de La Milla del Arte, una cita ineludible para coleccionistas y amantes del arte. Desde el 26 de febrero hasta el 9 de marzo de 2025, este “pop up” de arte ofrecerá una cuidada selección de obras inéditas de grandes figuras del siglo XX, como Francis Bacon, Pablo Picasso, Joan Miró, Eduardo Chillida, Jaume Plensa, Antonio Saura y Fernando Zóbel, entre otros.

Bajo la dirección de Nacho Viguera, La Milla del Arte vuelve a situarse en el epicentro de la escena artística madrileña, coincidiendo con una semana clave para el arte moderno y contemporáneo en la capital. Más de doscientas obras, entre pinturas, grabados y esculturas, muchas de ellas expuestas al mercado por primera vez, serán el gran atractivo para particulares, coleccionistas e instituciones.

La feria contará nuevamente con la participación de dos galerías de referencia: Aleseide Gallery y Galería de Arte Pilares. Aleseide Gallery, con sede en Madrid, está especializada en escultura y representa en exclusiva al artista José Leal, además de contar con obras de Jaume Plensa, Edgar Negret y Martín Chirino. Por su parte, la Galería de Arte Pilares, con raíces en Cuenca, mantiene un fuerte vínculo con los artistas del grupo El Paso y el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, representando a creadores como Fernando Zóbel, Gustavo Torner, Antonio Saura y Luis Feito.

En esta edición, se suma una nueva apuesta expositiva: GrabadosyLitografías, una galería especializada en la mejor obra gráfica de los grandes maestros del arte contemporáneo nacional e internacional.

Además, los amantes de la figuración, el realismo y la crónica histórica y social podrán disfrutar del espacio de Ediciones Escultura Histórica-Espacio Ferrer-Dalmau, donde se exhibirán las últimas creaciones del reputado pintor de batallas y una selección de esculturas en bronce de figuras clave de la historia de España.

La feria contará en su recorrido con una selección de obras del veterano escultor José Leal (1941) y un espacio exclusivo dedicado a artistas emergentes, creando un diálogo entre generaciones y consolidando La Milla del Arte como una plataforma de referencia en el panorama artístico contemporáneo.

En palabras de Nacho Viguera, promotor de la muestra: "Tras el gran éxito de las ediciones previas, hemos puesto todo nuestro esfuerzo y pasión en seleccionar una colección excepcional. Hemos trabajado sin descanso para reunir obras de primer nivel de prestigiosas galerías, ofreciendo a los visitantes una oportunidad única para descubrir y adquirir piezas de incalculable valor. Esta edición invita a los amantes del arte a sumergirse en la riqueza y diversidad de la expresión artística española".

En definitiva, una ocasión única para contemplar y adquirir obras de grandes maestros y de otros artistas que han jugado un papel crucial en la renovación del panorama artístico contemporáneo nacional y que actualmente son tendencia.

Nave 10 Matadero acoge, del 28 de febrero al 23 de marzo, el estreno absoluto de Nerium Park, espectáculo escrito por Josep Maria Miró y dirigido por Jorge Gonzalo, que podrá verse en la Sala Max Aub de este espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte. Nerium Park es un thriller hiperrealista que se centra en la crisis de una pareja a la que dan vida los intérpretes Susana Abaitua y Félix Gómez.

Carlos (Gómez) y Marta (Abaitua) son dos jóvenes con un futuro prometedor que se acaban de mudar a Nerium Park, una urbanización solitaria a más de media hora de la gran ciudad. A pesar de que transcurren los meses, los ansiados vecinos no terminan de llegar. Carlos y Marta se dan cuenta de que se han convertido en los únicos residentes de una urbanización con piscina. Los problemas laborales de Carlos y una inesperada presencia, casi fantasmal, multiplican los desencuentros de la pareja. Marta empezará a pensar que están pagando un precio demasiado alto por comenzar una vida lejos de la ciudad.

Miró, Premio Nacional de Literatura Dramática en 2022 por su obra El cuerpo más bonito que se habrá encontrado nunca en este lugar, presenta con Nerium Park todo un tour de force para dos actores. Una obra de construcción milimétrica, repleta de matices, imágenes y silencios, que incomoda y atrae por igual. El título toma su nombre de la adelfa Nerium oleander, un arbusto ornamental, tóxico para el ser humano, ampliamente empleado para habitar en estas nuevas urbanizaciones y en zonas de carretera.

Traducida a varios idiomas y estrenada en más de una decena de países, Nerium Park es un thriller hiperrealista que relaciona la crisis de una pareja con la de todo un sistema económico. A través de 12 escenas −cada una correspondiente a un mes del año−, observamos como voyeurs la disección de un mundo que colapsa sobre sí mismo: la esperanza de futuro de las nuevas generaciones como un caramelo envenenado que nos arrastra al aislamiento y la autodestrucción.

“Nerium Park nos muestra a Carlos y Marta en una situación que les hace confrontar diferentes visiones del mundo. Viven aislados en su piso y esa soledad, como en otras obras de Miró, solo es el reflejo de todo aquello que queda fuera de escena”, explica su director, Jorge Gonzalo. “Miró cuestiona la sociedad de la producción y del rendimiento, las preconcepciones de masculinidad y feminidad o la desnaturalización de las personas que quedan en los márgenes. Una obra apasionante, llena de matices, imágenes y sutilezas que solo incrementan su capacidad de cuestionar los cimientos que nos construyen como sociedad”.

Nerium Park es una producción de Octubre Producciones con diseño de espacio escénico de Monica Boromello, diseño de iluminación de Víctor Longás, composición de música original de Orestes Gas y diseño de vestuario de Elda Noriega. Este espectáculo se incluye dentro del programa JOBO, Joven Bono Cultural, para jóvenes entre 16 y 26 años. La función accesible de Nerium Park (con sobretítulos, bucle magnético, sonido amplificado y audiodescripción) tendrá lugar el viernes, 14 de marzo.

Tras el estreno de la temporada 2025 el pasado fin de semana, el programa de dinamización cultural 21 DISTRITOS, del Área de Cultura, Turismo y Deporte, continúa acercando a los barrios propuestas artísticas de calidad, de acceso libre y para todas las edades. La programación de esta semana la inaugura el viernes 21, a las 19:00 horas, el cantante Antonio Carmona, que llega al Centro Cultural Antonio Machado (San Blas-Canillejas) para compartir un encuentro cultural con el público. Una celebración de la música y la amistad en un momento único en el que conocer de cerca al ‘maestro’ del directo.

El sábado 22, a las 11:00 horas, Madrid Art Street Project ofrece el taller familiar ‘Ecocam’ en la Biblioteca Pública Municipal de San Fermín (Usera). Se trata de una propuesta participativa para crear una cámara con materiales reciclados. Los asistentes conocerán los fundamentos básicos de la fotografía para posteriormente realizar sus fotos por cuenta propia.

Ese mismo día a las 19:00 horas, el Centro Cultural Eduardo Úrculo (Tetuán) acoge Revolución, el nuevo proyecto de Teatro Sobre Ruedas que combina circo, humor y música en directo para cuestionar la relaciones con los límites y el hastío cotidiano. Esta función dispondrá de un paseo escénico previo para que todas las personas puedan participar al máximo de la actividad.

En el mismo horario, el compositor e intérprete Claudio Constantini ofrecerá un concierto en el Centro Cultural Valdebernardo (Vicálvaro), Bach y Piazzolla, en el que descubrir y disfrutar con el bandoneón, un instrumento con un timbre melancólico y punzante que lo convierte en el compañero perfecto para la música de estos dos grandes compositores.

Como adelanto de la próxima semana, el jueves 27, en la Biblioteca Municipal Aluche (Latina), la tallerista Bárbara Perdiguera propondrá un juego de construcción de tres formas geométricas: cubo, cilindro o cono. El viernes 28 vendrá cargado de propuestas culturales: el taller ‘Collage Surrealista’, realizado por Madrid Art Street Project en la Biblioteca Pública Municipal Vallecas (Puente de Vallecas); el estreno de la pieza escénica La buena obra, creada por Luz Arcas a partir de un taller participativo con mayores de 65 años, en el Centro Cultural Antonio Machado (San Blas-Canillejas); Maestr@s, un espectáculo de Naike Ponce en el que conviven el flamenco y el jazz, en el Centro Sociocultural Santa Petronila (Villaverde); y el concierto de Mikel Azpiroz, que tendrá lugar en el Centro Cultural Valdebernardo, en colaboración con AIE (Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes de España).

Este programa del Área de Cultura, Turismo y Deporte para la dinamización de los barrios a través de acciones artísticas y culturales nació en octubre de 2020. Sus objetivos principales son apoyar al tejido artístico, motivar la participación ciudadana en la vida cultural de la ciudad, crear nuevas audiencias y optimizar el uso de los múltiples recursos y espacios municipales diseñados para la cultura.

Superando ya las 1.000 actividades programadas y habiendo acogido a más de 250.000 espectadores en sus casi cinco años de existencia, 21 DISTRITOS es ya mucho más que un programa cultural: es un catalizador de la diversidad, la creatividad y la inclusión que continúa enriqueciendo la vida cultural de Madrid.

La concejala de Chamartín, Yolanda Estrada, junto con el embajador de Honduras en España, Marlon Brevé, ha inaugurado la exposición ‘Biodiversidad de los universos: Cosmovisión Miskita’, del artista plástico de origen miskito, Eric Álvarez, conocido artísticamente como Claif. La muestra, que ha organizado la Junta Municipal de Chamartín en colaboración con la embajada hondureña, permanecerá expuesta en el Centro Cultural Nicolás Salmerón hasta el próximo 3 de marzo, Día Mundial de la Vida Silvestre.

Integrada por 17 obras que retratan personajes y universos surrealistas figurativos, la exposición invita al espectador a reflexionar sobre las luchas de las comunidades afroindígenas por conservar sus orígenes y la importancia de preservar sus culturas y los ecosistemas que las sustentan. “Desde el distrito de Chamartín, valoramos profundamente el arte como un puente que une culturas, que nos permite conocer otras formas de ver y entender el mundo”, ha asegurado Estrada, quien ha animado a visitar esta exposición que “hace que veamos un universo en el que la biodiversidad y la cosmovisión ancestral de los pueblos indígenas se entrelazan en una armonía fascinante”. La muestra se puede visitar gratuitamente de lunes a viernes de 11:00 a 14:00 h y de 17:00 a 21:00 h. Sábados y domingos, de 11:00 a 14:00 h.

La Comunidad de Madrid lleva el próximo 22 de febrero al Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial el ballet clásico Don Quijote interpretado por la Compañía Nacional de Danza con versión coreográfica de José Carlos Martínez, actual director del Ballet de la Ópera de París. La partitura de Ludwig Minkus sonará en grabación de la Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM) bajo la batuta de José María Moreno.

Este nuevo montaje tuvo su estreno absoluto en 2015 en el Teatro de la Zarzuela y es una de las propuestas más populares de la danza clásica, obra de Marius Petipa. El elenco está formado por catorce bailarines entre los que destacan Cristina Casa y Thomas Giugovaz, interpretando a Quiteria y Basilio, respectivamente.

Don Quijote fue, junto con El Lago de los Cisnes de Tchaikovsky, uno de los ballets más conocidos en Rusia. Fue creado en 1869 sobre una partitura de Ludwig Minkus y su libreto se basa en un episodio del segundo volumen de El Quijote de Miguel de Cervantes (capítulo XXI).

El Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial es un espacio escénico de 26.000 metros cuadrados de superficie inaugurado en 2006 en esta histórica localidad de la sierra madrileña, a 60 kilómetros de la capital. Ubicado en un entorno natural único, con vistas al monte Abantos y situado cerca del Real Monasterio, se presenta como una de las mejores alternativas para la dramaturgia, la lírica, la danza o la celebración de festivales y otro tipo de eventos.

La Comunidad de Madrid exhibe los carteles más célebres de Andy Warhol, uno de los artistas más influyentes y revolucionarios del siglo XX, en una de las mayores recopilaciones de la historia en España de este icono del arte pop. La muestra se podrá visitar hasta el próximo 4 de mayo en la Fundación Canal de la capital, con acceso gratuito.

Compuesta por 134 piezas, Andy Warhol. Posters se distribuye en seis secciones temáticas: primeros carteles, papeles pintados, adaptaciones y series gráficas, tardíos carteles, retratos y discos y publicaciones. Los aficionados podrán disfrutar en este recorrido de algunas de las imágenes más representativas del autor, desde 1962 hasta el final de su carrera.

Entre ellas se encuentran sus primeras invitaciones plegadas o mailers que enviaba al galerista Leo Castelli o carteles publicitarios como el de Chanel Nº 5. También retratos de celebridades como Marilyn Monroe, o los diseños de las portadas de grupos musicales legendarios como The Rolling Stones o The Velvet Underground.

La influencia de la publicidad en la carrera de Warhol (1928-1987) fue fundamental, dejando una impronta inconfundible en su estilo, permitiéndole integrar los carteles como una expresión relevante y permanente en su trayectoria. Abarcó diversos medios, desde la pintura hasta el cine, desarrollando un estilo personal y único.

Su enfoque contribuyó a la redefinición de los límites entre el arte y la cultura de masas, consolidando su influencia en el desarrollo posterior. A través del pop art, transformó imágenes comerciales y de celebridades en iconos, utilizando técnicas como la serigrafía para enfatizar la reproducción y la industrialización del arte. El horario de acceso es de 11 a 20 horas, excepto los miércoles que es de 11 a 15. Más información en la web de Fundación Canal.

La Comunidad de Madrid expone en la Sala de Arte Joven la obra de cinco artistas emergentes que analizan las fuerzas de la naturaleza y los ciclos vitales bajo el título Las iguanas van a morder a los hombres que no sueñan. La muestra, que ya puede visitarse de forma gratuita y que estará en este espacio hasta el 20 de abril, es una de las propuestas seleccionadas para el proyecto Se busca comisario.

Comisariada por Raquel Algaba, la exhibición se compone de obras que abordan ámbitos como el mito o el folclore a través de la resistencia al orden actual de las cosas. Así, Mónica Mays presenta con su pieza Without Ornamental Value una escultura de grandes dimensiones a modo de enorme y primitivo icono, realizado con hojas de palma, en la que propone el uso de este material como motor de la industria.

Por su parte, Weixin Quek Chong se inspira en los rituales funerarios de la dinastía Han para su instalación Immortality Masks, en la que recupera la memoria perdida de deidades y figuras de culto para situarlas en la sociedad actual. Igualmente, Sandra Val recurre al juego egipcio de Perros y chacales en Agón para hablar de las construcciones arquitectónicas como un medio de acotar y comprender el mundo y el entorno.

Emmanuela Soria Ruiz es la autora de Fuego y Fuga, dos piezas textiles que apuntan a una lectura posthumanista del mito de las hijas de Minias en la Metamorfosis de Ovidio, y Paloma de la Cruz en Mis escombros enfrenta al público a la corporalidad a través del despertar de la naturaleza.

La muestra Las iguanas van a morder a los hombres que no sueñan cuenta con un amplio programa de actividades complementarias, como encuentros con la comisaria y los artistas, talleres para familias o charlas.

La convocatoria Se busca comisario es una iniciativa de la Comunidad de Madrid que apuesta por la visibilidad de la creación emergente y el talento de jóvenes creadores, y facilita el acceso al mundo profesional a comisarios menores de 35 años para desarrollar sus proyectos en la Sala de Arte Joven. Desde su inicio en 2009, cerca de 50 de estos profesionales y más de 140 artistas se han visto beneficiados de esta propuesta.

Esta iniciativa forma parte del programa de ayudas y becas a las artes visuales emergentes de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte. Una línea de trabajo que se materializa en el fomento de la creación y la formación de estos nuevos artistas y comisarios, que incluye también el proyecto Fotolibro<40 o la convocatoria de Circuitos de Artes Plásticas, entre otros.

Centro Danza Matadero, el nuevo teatro para todas las danzas del Área de Cultura, Turismo y Deporte ubicado en Nave 11, acoge los días 21 y 22 de febrero tres piezas de IT Dansa, compañía que traslada en sus coreografías un marcado enfoque pedagógico y referente de excelencia en el mundo de la danza. IT Dansa presentará tres piezas: Biterna, inspirada en la discriminación histórica de minorías y coreografiada por Aleix Martínez; Lo Que No Se Ve, de Gustavo Ramírez Sansano, que explora las complejidades del amor desde su perspectiva más íntima; y Minus 16, de Ohad Naharin, destacada por su técnica gaga y por su interacción con el público.

El 21 de febrero, tras la función, el público podrá participar en un encuentro exclusivo con la compañía junto a los directores de Centro Danza Matadero, María Pagés y El Arbi El Harti, y disfrutar de una oportunidad única para profundizar en el proceso creativo y pedagógico de las obras.

Fundada en 1997 y dirigida por Catherine Allard, IT Dansa se ha consolidado como una plataforma de excelencia internacional para jóvenes bailarines formados en el Institut del Teatre de Barcelona. La compañía ha sido reconocida con la Medalla de Oro de la Danza del Gran Teatre del Liceu en 2024 por abanderar una forma de trabajo que potencia la técnica y la personalidad artística de sus intérpretes.

IT Dansa está formada por 18 jóvenes bailarines internacionales seleccionados por audición y que reciben una beca de dos años para perfeccionar su técnica y formarse profesionalmente. Durante estos dos años, trabajan con destacados profesores y coreógrafos. También actúan en una amplia red de teatros y festivales.

Esta formación es un trampolín formidable y único: más del 80 % de estos jóvenes bailarines se incorpora a una compañía profesional inmediatamente después de salir de IT Dansa. Hasta la fecha, la compañía ha producido más de 30 coreografías, lo que ha permitido a estos bailarines trabajar con coreógrafos de renombre, así como con muchos talentos emergentes. El repertorio de IT Dansa se compone de piezas de los más grandes coreógrafos, tales como Jirí Kylián, Ohad Naharin, Nacho Duato, Rui Horta, Alexander Ekman o Ramon Oller.

Tras una carrera como bailarina en el Nederlands Dans Theater y posteriormente con Nacho Duato −del que fue musa durante muchos años−, Catherine Allard empezó a dirigir la compañía desde su creación en 1997. Allard se esfuerza por desarrollar la personalidad de los bailarines, por ayudarles a adquirir el dominio del movimiento y la conciencia de su cuerpo en el espacio. Con el mismo espíritu, la compañía trata continuamente de dar a sus bailarines la oportunidad de dar sus primeros pasos en solitario

Centro Danza Matadero continúa desarrollando su programación de espectáculos con el propósito de acercar la danza en todas sus versiones –flamenca, clásica y contemporánea– a todos los públicos. En su estreno, este teatro ha colgado el cartel de ‘entradas agotadas’ en todas las funciones del Ballet Flamenco de Andalucía.

Tras IT Dansa, pasará por este nuevo teatro madrileño Rachid Ouramdane, quien, del 26 de febrero al 1 de marzo, llevará al escenario Contre Nature, junto a una selección de bailarines del Chaillot Théâtre National de la Danse. Se trata de una obra contemporánea que busca explorar los límites del movimiento y la conexión emocional, fusionando danza con espectáculos aéreos.

Hasta junio de 2025, Centro Danza Matadero tiene programados 66 espectáculos, 140 funciones, seis estrenos absolutos y ocho coproducciones, con la participación de 48 compañías nacionales y ocho internacionales.

El Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, del Área de Cultura, Turismo y Deporte, trae en febrero un reconocimiento a la trayectoria del coreógrafo y bailarín francés Boris Charmatz a partir de dos piezas: el día 20 llegará al escenario SOMNOLE (2021), un solo en el que se acompaña únicamente por un tenue silbido, y el día 22 será el turno de (Untitled) (2000), de Tino Sehgal, donde Charmatz participa como intérprete. Esta programación forma parte de la exposición Este puede ser el lugar. El museo performado, que se puede visitar en la Sala de Bóvedas del centro.

Boris Charmatz destaca por cuestionar y redefinir los límites de la danza. Creador de proyectos experimentales como la escuela efímera Bocal, El Musée de la danse o Terrain, se pregunta por el estado de los cuerpos contemporáneos y articula performances y formatos híbridos para lugares y espacios muy diferentes, como escenarios, museos, instituciones ficticias o incluso el aire libre. Las propuestas de Charmatz relacionan el contexto en el que se despliegan con los repertorios de la danza y su transmisión, así como el deseo de conectar la teoría con las sensaciones e intensidades del cuerpo que baila.

Tras una serie de piezas de grupo y eventos colectivos en el marco del proyecto coreográfico Terrain, Boris Charmatz vuelve a la forma del solo con una coreografía sucinta acompañada únicamente por un tenue silbido. Una danza que vehicula melodías familiares y materializa gestos latentes, centrada en dos ejes principales: por un lado, la idea de somnolencia, que evoca un estado intermedio, a medio camino entre la vigilia y el sueño, como una suerte de puente entre el mundo mental y el mundo físico; por otro, la música en forma de silbido que produce el propio intérprete, modelando así el movimiento.

Esta pieza del artista Tino Sehgal, interpretada por Boris Charmatz y Frank Willens, lleva a escena el cuerpo desnudo, sin escenografía ni música, desplegando breves extractos del repertorio de la historia de la danza del siglo XX. La pieza exhibe la danza tratando de acercarse a un orden estético similar al del museo. La trayectoria de Sehgal incluye importantes exposiciones como la Bienal de Venecia de 2005, la Documenta 13 y solos en el Museo Guggenheim de Nueva York o la Sala de Turbinas de la Tate Modern de Londres. (Untitled) es la última pieza que realizó en el marco de la danza antes de centrar su trabajo en las artes visuales.

El Ayuntamiento de Madrid y la Fundación Casa de Alba han formalizado un acuerdo que permitirá a la ciudadanía disfrutar de la exposición Flamboyant. Joana Vasconcelos en el Palacio de Liria de forma gratuita todos los lunes no festivos a las 10:00 horas hasta completar el aforo. Con esta muestra, que se podrá visitar hasta el 31 de julio, la artista lisboeta ha intervenido los salones y jardines del icónico palacio.

Gracias al apoyo del Ayuntamiento, cada lunes a las 12:00 horas se habilitará la reserva de entradas gratuitas para el siguiente lunes. Estarán disponibles exclusivamente a través de la web del Palacio de Liria, siguiendo el mismo procedimiento que para la adquisición de entradas generales. Se podrán reservar un máximo de dos por persona hasta completar el aforo de la visita de las 10:00 horas, que es de 40 visitantes. La posibilidad de esta reserva a través de la web estará disponible únicamente hasta que el cupo de la visita esté completo.

La delegada de Cultura, Turismo y Deporte, Marta Rivera de la Cruz, afirma que “con este acuerdo abrimos a la ciudadanía, de forma gratuita, una de las exposiciones más esperadas en Madrid”, además de que “la intervención de Vasconcelos nos permite disfrutar de los espacios del Palacio de Liria desde una óptica contemporánea”.

La artista portuguesa Joana Vasconcelos, una de las creadoras más destacadas del panorama artístico contemporáneo, transforma los salones y jardines del Palacio de Liria en un espectáculo visual de arte contemporáneo que dialoga con una de las colecciones histórico-artísticas privadas más relevantes del mundo, que reúne piezas de artistas como Velázquez, Goya, Rubens, Tiziano o Murillo.

Es la primera vez que Joana Vasconcelos lleva sus obras a un gran palacio habitado, lo que impregnará la exposición de un diálogo especial entre sus obras y este espacio. La muestra será también una oportunidad para visitar rincones menos frecuentados como los jardines del palacio, habitualmente cerrados al público, donde los visitantes podrán disfrutar de creaciones recientes como Valkyrie Thyra, junto con obras icónicas como Marylin o Carmen.

La concejala de Ciudad Lineal, Nadia Álvarez, ha visitado la exposición ‘Venezolanos en libertad’ que, organizada por la Asociación Sinergiart, reúne obras de 16 artistas, todos de este país sudamericano, de diferentes disciplinas, desde pintura y escultura hasta fotografía y creación digital, con el objetivo de plasmar su manera de ver la vida, sus deseos de futuro y el impacto de los cambios a los que han tenido que adaptarse. El arte es un lenguaje universal que “no conoce fronteras y, por eso, queremos acercar a los vecinos de nuestro distrito la realidad que viven los venezolanos”, ha afirmado la concejala.

Los artistas participantes son Raúl Pérez Martín, Euri Fuguett, Héctor Urdaneta, Tammy Machado, Carlos Porras, Elizabeth Rossel, Oneire Mora, Angelo Di Munno, María Alejandra González, Julia Franquiz, Yessica Zambrano, Ingrid Arredondo Remus (IRA), Maricarmen Paz, Filomena Petrucci, Pedro Arellano y Alejandro Ruiz.

La muestra está abierta en la sala de exposiciones del Centro Cultural Príncipe de Asturias, ubicado en la calle de Hermanos Noblejas, 14, y permanecerá en cartel hasta el jueves 27 de febrero, en horario de 8:30 a 21:30 h, de lunes a viernes, y los sábados de 9:00 a 21:30 h. Los visitantes podrán conocer más sobre cada artista a través de un código QR que proporcionará información detallada sobre su biografía, declaración artística, resumen de sus exposiciones previas, así como fotos de las obras presentadas junto con sus respectivos nombres y dimensiones.